音乐剧有什么特点
音乐剧简介
音乐剧(英语：Musical theater，简称 Musicals)，又称为歌舞剧，是音乐、歌曲、舞蹈和对白结合的一种戏剧表演，剧中的幽默、挖苦、感伤、爱情、生气作为动人的组成部分，与剧情本身通过演员的语言，音乐和动作以及固定的演绎传达给观众。一些有名的音乐剧包括：奥克拉荷马、音乐之声、西区故事、凄惨世界、猫以及歌剧魅影等。
音乐剧的文本由以下几个部份组成：音乐的部份称为乐谱(score)、唱歌的字句称为歌词(lyrics)、对白的字句称为剧本(book/script)。有时音乐剧也会沿用歌剧里面的称谓，将歌词和剧本统称为曲本(libretto)。
音乐剧的长度并没有固定标准，但大多数音乐剧的长度都介乎两小时至三小时之间。通常分为两幕，间以中场休息。假如将歌曲的重复和背景音乐计算在内，一出完好的音乐剧通常包含二十至三十首曲。
音乐剧擅于以音乐和舞蹈表达人物的情感、故事的进展和戏剧的冲突，有时语言无法表达的剧烈情感，可以利用音乐和舞蹈表达。在戏剧表达的形式上，音乐剧是属于表现主义的。在一首曲之中，时空可以被压缩或放大，例如男女主角可以在一首歌曲的过程之中由相识变成堕入爱河，这是一般写实主义的戏剧中不容许的。
音乐剧有什么特点
和歌剧的分别是，音乐剧常常运用一些不同类型的流行音乐以及流行音乐的乐器编制；在音乐剧里面可以容许消失没有音乐伴奏的对白；而音乐剧里面亦没有运用歌剧的一些传统，例如没有了宣叙调和咏叹调的区分，唱歌的方法也不肯定是美声唱法。但音乐剧和歌剧的区分界线仍旧有不少学者争议，例如格什温(Gershwin)作曲的波吉与佩斯(台湾翻译「乞丐与**」)(Porgy and Bess)就曾同时被人称作歌剧、民谣歌剧(Folk Opera)和音乐剧。一些音乐剧如凄惨世界是从头到尾都有音乐伴奏，而一些轻歌剧如卡门却有对白。
音乐剧普遍比歌剧有更多舞蹈的成份，早期的音乐剧甚至是没有剧本的歌舞表演。虽然有名的歌剧作曲家华格纳(Richard Wagner)在十九世纪中期已经提出总体艺术(Gesamtkunstwerk)，认为音乐和戏剧应融合为一。但在华格纳的乐剧(music drama)里面音乐依旧是主导，相比之下，音乐剧里戏剧、舞蹈的成份更重要。
音乐剧与歌舞片
许多音乐剧后来又被移植为歌舞片，而剧场版本和电影版本并不肯定完全相同，由于剧场擅长于场面调度和较为抽象的表达形式，利用观众的想像去幻想故事发生的环境，而电影则择长于实景的拍摄和镜头剪接的运用。西城故事(West Side Story)是其中一个将舞台版本胜利移植为电影版本的音乐剧，
在横街小巷取景，开创了后来许多音乐电影的先河。亦有歌舞片移植为音乐剧的例子，例如万花嬉春(Singing in the Rain)是先有歌舞片，后来才被移植成音乐剧。
许多音乐剧后来又被移植为歌舞片，而剧场版本和电影版本并
不肯定完全相同，由于剧场擅长于场面调度和较为抽象的表达形式，利用观众的想象去幻想故事发生的环境，而电影则择长于实景的拍摄和镜头剪接的运用。西城故事(West Side Story)是其中一个将舞台版本胜利移植为电影版本的音乐剧，在横街小巷取景，开创了后来许多音乐电影的先河。亦有歌舞片移植为音乐剧的例子，例如雨中曲(Singing in the Rain)是先有歌舞片，后来才被移植成音乐剧。
音乐剧擅于以音乐和舞蹈表达人物的情感、故事的进展和戏剧的冲突，有时语言无法表达的剧烈情感，可以利用音乐和舞蹈表达。在戏剧表达的形式上，音乐剧是属于表现主义的。在一首曲之中，时空可以被压缩或放大，例如男女主角可以在一首歌曲的过程之中由相识变成堕入爱河，这是一般写实主义的戏剧中不容许的。
拓展
音乐剧歌曲演唱技巧
第一当然是声音。这是一个很专业的学问，包括气息、用嗓、口腔共鸣、吐词方式等。以后的文章中，
我会把我知道的尽可能的与大家沟通。
其次是情感。这需要歌手对词、对旋律的感悟要强，许多伴侣演唱时把全部的重点都放在了声音的部分，而忽视情感，这绝不会唱好一首歌。过分注意声音的缘由，是由于歌手的实力有限，演唱过程中老想着到哪里要留意气息了、哪里要留意换气了、快到高音的时候要预备了等，这都是无可避开的。所以，假如唱歌要做到“声情并茂”，练功相当重要。当你练声成熟的时候，演唱时的留意力才会到情感上
剧本的特点来。有句话说得好，歌不是用嘴唱的，而是专心唱的。假如发声练到气息贯穿、炉火纯青的地步，演唱就更随心所欲的注入情感，演绎歌曲的感染力会更强。
第三是感受。这里再次强调，音乐的感受是天生的，你有多少就是多少，后天弥补的音乐感受很少很少。流行歌曲需要流行歌曲的感受，民歌需要民歌的感受，比方你要阎维文唱“一无全部”，我敢保证会笑翻一帮人！歌手的感受不同，演唱歌曲的处理方式也不同，有的处理得很平淡，有的处理得扣人心弦。这些处理都是很微妙的，比方一个小小的换气、一个强调的重音、一个不换气的长拖音或者一个突然的收尾……这些就只能意会了。
第四是节奏感和音准。你见过一个3岁多的小孩听到一个旋律就能敲打出加花的节奏吗？你见过一个3岁多的小孩现场演唱，爸爸给他手风琴伴奏，随时转变音调，他进唱的音调都是精确的吗？你见过一
个8岁的小孩在没听到任何声音的状况下，要他随时哼出“降E”、“升C”等任何音调的“1”的发音，哼完后在键盘上按下核对完全精确的.吗？这就是天分，演唱歌曲需要这样的基础，虽然不要他们那样出众，但肯定不能弱。
第五是素养。这就是业余歌手和专业歌手的区分。其实光在声音、情感、感受、节奏、音准这些方面比较，业余歌手有许多不比专业歌手差。差距就在素养。你知道自己唱歌时的形体和表情吗？你可能有个模糊的形象，就是你投入演唱时自己想象自己的模样，而这个形象很可能是你唱的这首歌的原唱的形象。但这些都是你的想象，自
己想象的形象几乎是完善的。你知道大家看到是什么吗？你用摄像机拍摄过自己的一次正式演唱吗？其实当你上台的第一个眼神或者第一句话，就能知道你是业余还是专业。这里说的素养还包括对乐理的了解、乐器的了解、对音乐史以及对音乐常识的了解等，当然也有许多专业歌手也不全面，但我个人认为，假如要做专业歌手，就应当贯彻这些，要对得起“专业”这个词。
理解歌词
在学一首新歌之前，有几次你是先把词从头到尾在心里读一遍的？又有几次揣摩过撰词者的心思和他表达的意境？一首歌曲，无论是先有词还是先有曲，双方都是仔细揣摩对方〔词或曲〕要表达的意境和思想，假如到了你这里，你竟然完全不理睬他们的专心良苦，就这么靠着自己的感觉唱，我觉得不
妥。有些独特歌手喜爱根据自己的理解这样表达自我，这种方式不是不好〔而且我也喜爱这样〕，但我会先把的意图先搞明白再发挥。再说不是每首歌曲都适合你任意发挥的，有些词曲你不到更合适的表达，比方国歌。
在你深刻理解歌曲以后，你的情感处理方面肯定会好许多，假如你的感悟力量强，你会情不自禁的把某个音唱重，某一个音轻轻带过，一个激情的长音会拖得很饱满……
开口与吐词
说话和唱歌，除了旋律、节奏、气息，还有其它区分吗？有，那就是吐词的方式。请你随便的用你说话的方式读出“让我一次爱个够”，然后投入的把它唱出来……会发觉唱的时候嘴型是向两边打开
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